Abstract:
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This article presents a panoramic view of the development of the so-called serliana or Serlian motif throughout the Italian Renaissance, focusing on the most relevant examples in the architecture of that period. The use of this motif during the Early Renaissance was pioneered by Filippo Brunelleschi in religious buildings. As its employment become widespread in a range of different settings, architects frequently incorporated local building traditions. It was only during the last twenty years of the Quattrocento that Giuliano da Sangallo and Leonardo da Vinci adopted the Serlian arch in residential architecture designed for the ruling elites. Thanks to Bramante and other artists such as Raphael, Baldassare Peruzzi, Antonio da Sangallo the Younger and Giulio Romano, the motif was extraordinarily popular during the High Renaissance period. Ever-increasingly complex and monumental compositions eased the adaptation of the serliana to both exterior and interior spaces, and in works such as the design by Galeazzo Alessi in Genoa, the imperial connotation of the motif is clear. This process illustrates the progressive transfer from the religious to the courtly sphere, and, at the same time, the permeability between the sacred and the profane. During the sixteenth century, Spain too was at the European avant-garde, due to its contacts with Italy and the latest fashions, such as the employment of the serliana in residential architecture, were followed in the fortified palace at La Calahorra, the Vich palace in Valencia, or the palace of Charles V in Granada, as part of a complex iconography of power. Throughout the sixteenth century, the serliana featured in that specifically-Spanish typology, the monumental altarpiece or retablo, as well as in monumental tombs. Italy was certainly the leading force in the process and had an indisputable influence on Spanish art, but the latter would develop its own original solutions in the sixteenth century, which matched the innovative character of Italian creations. |
Resumen:
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Presentamos una panorámica general sobre el desarrollo de la “serliana” durante el Renacimiento italiano, evidenciando
los ejemplos que consideramos más relevantes en la arquitectura del periodo desde Filippo Brunelleschi, que instaura el motivo en ámbito sacro e inicia un importante proceso de difusión. Casi todos los arquitectos del Primer Renacimiento asimilaron la “serliana” en estructuras diversas, conjugándola con tradiciones locales. Habrá que esperar a los dos últimos decenios del Quattrocento para que Giuliano da Sangallo y Leonardo adopten el esquema también en la arquitectura residencial de carácter áulico. Gracias a Bramante y a otros artistas como Rafael, Baldassarre Peruzzi, Antonio da Sangallo el Joven y Giulio Romano, el motivo goza de extraordinaria fortuna durante el Segundo Renacimiento. Composiciones cada vez más complejas y monumentales favorecieron la permeabilidad entre exterior e interior, y en obras como aquellas de Galeazzo Alessi en Génova la “serliana” refleja una connotación imperial. Tal recorrido ilustra el progresivo trasvase del universo religioso al cortesano y, paralelamente, la permeabilidad entre lo sacro y lo profano. En el s. XVI también España se sitúa a la vanguardia de Europa en un diálogo con las últimas tendencias italianas, en particular con la “serliana” empleada en la arquitectura residencial, en el castillo-palacio de La Calahorra, el palacio Vich en Valencia o el palacio de Carlos V en Granada, como parte de una compleja iconografía del poder. Durante toda la centuria el motivo se introduce asimismo en una producción típicamente hispana, el retablo monumental, y sirve como escenografía para imponentes tumbas. Italia fue la gran protagonista del proceso e influyó decisivamente en España, pero esta última alcanzaría soluciones propias y originales en el s. XVI al mismo nivel innovador. |